Culture générale » Musique

L’information inutile du vendredi : Tainted Love

Billx — Fri, 07 Oct 2011 15:00:47 +0000

En 2004 , le surmaquillé Marylin Manson reprend le morceau Tainted Love. Adoration immédiate des fans :

Mais les fans de Soft Cell crient au scandale, on leur a volé leurs précieux synthés de 1981 :

Mais tous les gens sus cités savent-ils que la version originale date de 1964 et est interprété par Gloria Jones ? Pas si sûr.

Tainted Love, Gloria Jones

Bon week-end !

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Sexe, drogue et rock’n'roll

Bastien — Fri, 30 Sep 2011 06:00:26 +0000

L’inventeur de la maxime (oui, c’est comme ça qu’on dit dans le monde merveilleux des gens qui font la langue française) « Sexe, drogue et rock’n'roll » est le chanteur anglais Ian Dury. C’est en effet le nom d’une chanson sortie sur un 45 tours en 1977 dont le titre est « Sex & Drugs & Rock & Roll ».

Cette chanson décrit le mode de vie des rockeurs des années 70, elle fait référence à une maxime plus ancienne « Wine, Women and Song ». Vous remarquerez que les intitulés ont changé mais les vices sont toujours les mêmes !

Une information inutile du vendredi qui laissera surement certains de vos amis sans voix devant votre culture sans fin ce week end ! (Fastoche à placer en plus avec le 20eme anniversaire de l’album de Kurt dont tout le monde parle )

Et pour finir ce vendredi en musique, voici la chanson en question :

Bon week end !

Image : Simon-and-you

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A qui appartient cette voix féminine sur « Great Gig in the Sky » ?

Billx — Sun, 05 Jun 2011 14:05:58 +0000

J’avoue. Fan de Pink Floyd depuis très longtemps et ce devant l’Eternel (bon, l’Eternel on y croit ou pas, hein ! C’est pas bien grave), j’ai découvert il y a seulement 5 ans que la sublime mélopée à jamais inscrite sur ce morceau des Pink Floyd issu de l’album « Dark Side of the Moon » est… Blanche. Pour mémoire ou pour découvrir le morceau, cliquez-ici les gens (soyez patient(e)s sa voix entre à 1:07). J’entends par blanche le fait que la chanteuse Clare Torry est blanche et non pas noire (non, noire n’est pas un gros mot). Et jusqu’à cette découverte j’avais toujours imaginé une sublime femme noire venant mettre toute son émotion au service de ce chef-d’oeuvre. Les Pink Floyd avaient juste donné à Clare comme « simple » directive d’exprimer la peur, la douleur et la mort. Mission qu’elle a amplement réussie je trouve. Pour ma part, frissons garantis à chaque écoute. C’est bien senti et surtout improvisé. On est loin des « braillages » de Céline qui vous savez et ses copines. Mais là encore, ce n’est que mon avis.

Bon, voilà, ce n’était juste qu’une réflexion du dimanche qui aura peut-être renseigné certains et certaines d’entre-vous.

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Pourquoi dit-on « faire un boeuf » ?

Billx — Wed, 18 May 2011 04:00:16 +0000

Ou plus souvent, taper le boeuf. En anglais on parlera de jam session. Il est bien sûr évident que cette expression est d’abord parlante aux musiciens. Pas question de grenouille dans l’histoire. Faire un boeuf signifie participer à une réunion impromptue de musiciens et jouer tous ensemble en laissant la part belle à l’improvisation. Ok, mais pourquoi le boeuf et pas le panda ?

Parce qu’on ne tape pas le panda, c’est une espèce protégée… Hem. Plus sérieusement, l’année 1921 vit la création d’un cabaret parisien (pas très loin de l’endroit où Lully passa de vie à trépas) dans le 8ème arrondissement. Le beau monde de l’époque, comme Jean Cocteau par exemple, aimait à s’y rendre. Et Léo Ferré et Charles Trenet notamment y firent leur début. Très vite, les musiciens parisiens de l’époque (et même ceux de province de passage hein !), prirent l’habitude de se retrouver au sein de ce cabaret une fois leurs cachets empochés dans les divers clubs musicaux de la capitale. Histoire de pousser encore plus loin la musique dans les limbes de la nuit et de continuer à se faire plaisir en jouant avec de parfaits inconnus. Dans ces moments là, pas d’interdits, chacun est libre de fouler la scène avec son instrument, un grand bazar joyeux en somme. Un boeuf donc. Ah, au fait, l’établissement en question s’appelait (et s’appelle toujours) « Le Boeuf sur le Toit » .

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Compositions d’orchestres

Billx — Fri, 09 Apr 2010 09:20:25 +0000

Difficile pour le néophyte de savoir « de quoi » sont constitués les orchestres dits de « musique classique ». Voici une petite revue, attention, 1, 2 , 3, 4 !

L’orchestre symphonique : Vous savez, c’est ce grand orchestre qu’on cantonne souvent dans nos esprits à jouer exclusivement de la musique « classique » (cette formation fait aussi des merveilles dans le domaine de la musique de films; vous avez tous en tête des thèmes de Star Wars, Indiana Jones ou encore du Seigneur des Anneaux). La composition d’un orchestre symphonique est sensiblement celle-ci :

Les « cordes », pupitre constitué des premiers et seconds violons (premiers et seconds, désignent ici une différence de partitions. Les premiers et seconds violons ne jouent pas les mêmes notes), des altos (instruments qui ressemblent à un violon mais de dimensions plus grandes qui génèrent des notes plus graves que le violon), des violoncelles et des contrebasses. Ce groupe (on parle en fait de pupitre) se compose généralement de 12 à 16 musiciens.
Les « bois », qui comme leurs noms ne l’indiquent pas, ne désignent pas forcément des instruments en bois. On y trouve les flûtes traversières (en métal donc), la flûte piccolo (toute petite flûte traversière aux sons très aigus), les hautbois (instruments à anches doubles), les clarinettes (instruments à anche simple), la clarinette basse (grande clarinette recourbée qui donne des notes très graves). On trouve aussi des bassons, 1 ou 2 cors anglais et 1 contrebasson. Ces 3 derniers instruments sont aussi des instruments à anches doubles et évoluent dans le registre du « grave ».
Les « cuivres », qui comme leurs noms ne l’indiquent pas non plus, ne sont pas réellement en cuivre mais en laiton (alliage de cuivre et zinc). Les cuivres se composent de cors (à ne pas confondre avec le cor de chasse, le cor d’harmonie dispose de palettes permettant de moduler le son se révélant ainsi nettement moins bourrin -voire pas du tout- que son pote de la forêt), de trompettes, de trombones et d’un tuba (joué par un homme grenouille ? Ah, ah ! …hem…). Tous ces instruments sont des instruments à embouchure.
Les « percussions » quant à elles regroupent les timbales, la caisse claire, les tambours, les cymbales, le triangle, les cloches… Et les percussions dites « clavier » comme le xylophone, le marimba ou le vibraphone (lames en métal).
Ensuite, selon la partition à jouer, l’orchestre peut recruter un ou deux pianos, une ou deux harpes, un orgue, un saxophone (considéré comme un « bois »)…

L’orchestre philharmonique : C’est tout simplement un orchestre symphonique. A l’origine, l’orchestre symphonique est géré par une association philharmonique. Au fil du temps, les orchestres dépendant d’une association philharmonique ont pris le nom d’orchestre philharmonique, et aujourd’hui les deux termes se confondent.

L’orchestre d’harmonie : On pourrait dire, pour résumer, qu’il s’agit d’un orchestre symphonique sans les « cordes ». Même si on tolère parfois une harpe ou une contrebasse, on ne trouve pas de violons, pas d’altos et pas de violoncelles. Il existe une harmonie dans presque toutes les petites villes et elle sévit souvent sous le nom d’union musicale.

La batterie-fanfare : Cet orchestre comprend les mêmes « percussions » que l’orchestre symphonique et des cuivres spécifiques : Clairons, trompettes de cavalerie, cors, basses, soubassophone (ou hélicon si vous préférez). La batterie fanfare possède un répertoire varié. Musique militaire (sonneries réglementaires entre autres), messes, marches. Mais aussi des choses plus légères comme le twist, le cha-cha, le latino américain et même le disco. Le répertoire dépend en fait de la situation : Concert ou défilé.

Un petit mot sur le big-band de jazz constitué de bois, de cuivres, de percussions, d’une contrebasse (ou basse électrique), d’un piano, d’une batterie et très souvent d’une guitare électrique. Cet ensemble à géométrie variable n’accueille cependant pas de « cordes » classiques.

Il existe maintenant moult petits orchestres locaux comme le bagad de Bretagne (bombardes, binious, cornemuses, caisse-claire…) ou encore la banda originaire du sud-ouest (cuivres et percussions), formation festive qui tend depuis quelques années à s’implanter dans toute les régions de France (si, si, la banda de Dunkerque existe !)

Alors faites votre choix et à vous de jouer !

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La Marseillaise: chant de guerre, symbole révolutionnaire et hymne national

jyboo — Tue, 16 Feb 2010 14:40:57 +0000

Par un long et froid vendredi d’hiver, un choix difficile et douloureux devait être fait: la « ferme célébrité »… ou « Metropolis » (Fritz Lang, 1927). La décision fut rapide.

Rouget de l'Isle chantant « La Marseillaise », 1849, Isidore Pils

Dans cette version exceptionnelle de cette œuvre intégrant des images inédites depuis sa première diffusion, l’orchestre symphonique de la radio de Berlin accompagne ce film muet sur la partition d’origine de Gottfried Huppertz pour l’ouverture de la 60e cérémonie de la Berlinale.

Lors de la scène de la révolte dans le film, l’orchestre interprète un court passage extrêmement reconnaissable pour bon nombre d’entre nous: la Marseillaise.

Mais revenons tout d’abord sur la genèse de la Marseillaise. Claude Joseph Rouget de Lisle (c’est son nom complet), est capitaine dans une garnison de Strasbourg en 1792… et également compositeur (mais assez médiocre…). Le maire de la ville à cette période, le baron de Dietrich, l’engage pour lui écrire un chant de guerre, au lendemain de la déclaration de guerre de la France à l’Autriche (conséquence directe de la Révolution française de la fuite manquée de Varennes de Louis XVI, l’Autriche se mêlant façon ingérante des affaires de la France notamment à cause de la parenté de Marie-Antoinette). Le jeune compositeur rédige ce qui va devenir l’ »Hymne de guerre dédié au maréchal de Luckner » dans la nuit du 25 au 26 avril 1792.

Il faudra cependant attendre la IIIe République (1879) pour que la Marseillaise devienne l’hymne nationale de la France. Pourtant, la version musicale que nous connaissons aujourd’hui n’est pas celle qui était à l’origine. En effet, la version actuelle se base une l’orchestration de Berlioz de 1830, qui l’arrangea fortement. Rouget de Lisle écrivit même à Berlioz: « Votre tête paraît être un volcan toujours en éruption ; dans la mienne, il n’y eut jamais qu’un feu de paille qui s’éteint en fumant encore un peu. Mais enfin, de la richesse de votre volcan et des débris de mon feu de paille combinés, il peut résulter quelque chose. »

Mais si la Marseillaise est aujourd’hui connu pour être l’hymne national français, il n’en a pas toujours été ainsi. En effet, La Marseillaise se répandit rapidement dans toute l’Europe comme un chant révolutionnaire, au point même d’avoir une version en chinois ! Toutefois, le changement de statut de la Marseillaise comme hymne national était en contradiction avec l’idée de chant révolutionnaire, et un nouveau chant lui succéda, également bien connu: l’Internationale. Pour s’en convaincre aisément, il est tout à fait possible de chanter les paroles de l’Internationale sur l’air de la Marseillaise comme il a été prévu à sa création. L’utilisation de la Marseillaise pour accompagner la révolte dans le film « Metropolis » semble tout à fait adaptée, alors que la Marseillaise a encore cette empreinte de chant révolutionnaire.

Chant de guerre, symbole de révolution avant de devenir hymne national sur une musique qui varie fortement dans le temps, il est assez étrange de prendre une version de la Marseillaise comme acquise et immuable, et de voir des hommes de peu de foi, à la critique acerbe, facile et stupide s’en prendre à Gainsbourg pour sa version reggae. Un peu comme certains sur d’autres articles de culture-générale. Mais, comme conclut « Metropolis », « entre le cerveau et les mains, le médiateur doit être le cœur », et ceci est une autre histoire.

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Origine du nom des notes

Billx — Sat, 21 Mar 2009 10:33:41 +0000

Je vous fais tout de suite l’affront de les nommer : Do, ré, mi, fa, sol, la et si. Même les non-musiciens connaissent cela par coeur (ah, les années passées à jouer de la flûte à bec au collège…). Ce qui est déjà moins connu, c’est l’origine du nom de ces notes. Les notes n’apparaissent qu’au moyen âge. Avant elles, la musique et les chants sont improvisés. Les notes donnent donc naissance au solfège qui prend forme au sein des monastères et permet des chants à plusieurs voix. Avec le solfège, on chante toujours la mélodie voulue au rythme prédéfini, finis les « boeufs » cacophoniques !

Mais pourquoi « do » ou « mi » et pas « kloug » ou « spaf » ? On doit cela au moine Guido d’Arezzo en 1028. Pour ce faire, il s’est inspiré d’un chant grégorien (chanté aux vêpres) »L’hymne à Saint Jean Baptiste » dont voici les paroles latines :

Utqueant laxis, Resonare fibri, Mira gestorum, Famuli tuorum, Solve polluti, Labii reatum, Sancte Joannes

Traduction : Pour que puissent, résonner les cordes, détendues de nos lèvres, les merveilles de tes actions, enlève le péché, de ton impur serviteur, ô Saint Jean (poème écrit par Paul Diacre au milieu du VIIIème siècle)

A chaque vers, le chant monte d’un ton. D’Arezzo eu donc l’idée de conserver la première syllabe du premier mot de chaque vers. En 1673, le ut devient do sous l’impulsion de Bononcini car plus facile a solfier (chanter le nom de la note sur une portée). Concernant le si, même si Sancte Joannes la suggère déjà (que de si dans ce début de phrase !), cette note fera son apparition officielle à la fin du XVIème siècle, ajoutée à la gamme par le moine français Anselme de Flandres.

Il s’agit là de la notation latine. Les anglo-saxons, eux, utilisent des lettres pour désigner les notes et les accords. Ils prennent le la pour référence (pourquoi le la ? Cela fera l’objet d’un autre billet) et lui attribuent la lettre A et montent ainsi dans la gamme : A=la, B=si, C=do, D=ré, E=mi, F=fa et G=sol.

Malgré cette légère différence de désignation, dans les deux cas, les notes restent les mêmes sur une partition. Avec le solfège, on peut vraiment parler de langage universel !

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CD-Audio

Billx — Fri, 07 Nov 2008 13:44:12 +0000

Certain(e)s vont dire que j’ai pas mal de bouteille après avoir lu l’affirmation qui suit : Oui, au cours de ma vie, j’ai acheté une bonne centaine de disques 33 tours (vinyle, hein?) et au moins autant de cassettes audio. Et allez, j’entends la jeunesse s’esclaffer jusqu’ici ! Pourtant, je possède encore beaucoup plus de CD’s (originaux, pour ma part !). Mais savez-vous, chers lecteurs et chères lectrices, quelles sont les circonstances qui ont donné sa taille physique et sa capacité de stockage (presque) définitives à la dernière galette citée ? Ah, là, on fait moins les marioles ! Bon, allez, je vous explique :

Sony, le japonais, et Philips, le néerlandais, s’associent en 1979 pour plancher sur le fameux support. A sa création, le disque possède un diamètre de 11,5 cm et est capable d’offrir une heure de musique, pas plus. Une heure de musique semble largement suffisante selon les deux protagonistes, d’autant plus que les 33 tours n’ont jamais dépassé cette limite. Et pourtant, un individu va venir y mettre son grain de sel. Et cet individu, je vous le donne en mille, c’est… Ludwig Van Beethoven ! Enfin presque…

On ne sait plus trop bien à la demande de qui, mais les dimensions du disque et sa capacité de stockage ont pris de l’embonpoint pour pouvoir y stocker l’intégralité de la neuvième symphonie de Beethoven. Le nom du célèbre chef d’orchestre autrichien Herbert Von Karajan (1908-1989) est évoqué sur le fait, tant son adhésion pour le support numérique fut totale d’emblée, mais sans non plus être sûr qu’il soit déterminant dans l’affaire.

C’est donc la version de cette symphonie de 1951, dirigée par Wilhelm Furtwängler à un tempo un peu plus lent que d’accoutumée, qui prend donc place sur un CD de 12 cm, capable de recevoir les 74 minutes de l’oeuvre. Et qui fait donc référence en la matière ! Même si tout le monde sait aujourd’hui que les divers procédés de compression, et notamment le MP3, permettent de dépasser cette limite vieille de 25 ans déjà.

Le CD audio est donc vendu dès 1982. Et les aficionados de musique classique peuvent alors profiter de leur 650 Mo de « violons ». Mais comme je l’ai mentionné précédemment, la galette peut être beaucoup plus « chargée » de nos jours.

Pour l’anecdote, le premier CD « pressé » de son histoire sort de l’usine Philips de Langenhagen (Allemagne) le 17 août 1982. L’élu est l’album « The Visitors » des « Eurovisionnés » ABBA !

Allez, j’vais aller user mon « diamant » sur « Electric Ladyland » de Jimi Hendrix… Comprenne qui pourra…

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Smoke on the Water

Billx — Sun, 17 Aug 2008 09:41:09 +0000

Tin, tin, tin tin, tin tin,tin

Voici certainement l’un des riffs de guitare le plus connu des amateurs de rock et même des autres. Combien de guitaristes débutants se sont usés le bout des doigts sur cette intro. Combien de chanteurs de rock en devenir ont hurlé les paroles de cette chanson sans en comprendre le sens? Car ces paroles racontent ni plus ni moins la naissance de la chanson.

Ca s’est passé le 4 décembre 1971 au festival de Montreux (Suisse). Au casino de cette même ville, Frank Zappa et ses Mothers of Invention donnent un concert à guichet fermé. Tout se passe trés bien jusqu’au moment ou un spectateur inconscient balance une fusée éclairante qui commence à mettre le feu aux décorations de la scène. Trés calme, Frank Zappa demande alors à l’audience d’évacuer les lieux. Ian Gillian, chanteur de Deep Purple qui assistait au concert rapportera plus tard que Zappa est resté dans la salle jusqu’à ce que le dernier spectateur fut sorti.

Le feu prend de l’ampleur. Dans un hôtel non loin de là, Roger Glover le bassiste du « pourpre profond » aperçoit la fumée qui se répand sur le lac Léman. A la hâte, il note sur un morceau de papier « smoke on the water » (de la fumée sur l’eau). Le morceau (qui n’était pas vraiment prévu) apparaitra sur l’album « Machine Head » que Deep Purple était justement venu enregistrer à Montreux. L’album sortira quelques semaines après l’évènement et Smoke on the Water deviendra en peu de temps un tube planétaire.

Les paroles racontent donc l’incendie vu de loin par Glover et vécu de prés par Gillian. Ses circonstances, le vent de panique, le désespoir de Claude Nobs organisateur du festival et son ardeur à sauver ce qui peut l’être, le « relogement » des musiciens de Deep Purple au Grand Hôtel (vide en raison de la saison) pour la réalisation de l’album qu’ils devaient initialement enregistrer au casino…

Vous rendez-vous compte que si un type n’avait pas joué avec un gros pétard, ce morceau n’existerait pas?

http://www.youtube.com/watch?v=AS3VSOvHE_A

http://membres.lycos.fr/beo/Smoke%20on%20the%20water.htm

http://dariomangano.blogspot.com/2007/01/smoke-on-water-part-1.html (pour paroles et traduction)

Culture rock personnelle

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Qu’on se le dise…

Billx — Mon, 21 Jul 2008 12:12:21 +0000

… une bonne fois pour toutes, Pink Floyd (groupe que j’admire beaucoup, mais tout le monde s’en fout) ne tient pas son nom de cet oiseau mangeur de plancton et autres crustacés (le krill et l’artémia donne la couleur rosée au plumage de la bête) et je vais mettre un point car cette phrase devient beaucoup trop longue.

Non Pink Floyd n’a JAMAIS voulu dire Flamant rose. En bon anglais ça se dit pink flamingo.

Le groupe doit son nom au premier guitariste de celui-ci, Syd Barret. Ce garçon était grand fan de messieurs Pink Anderson et Floyd Council, deux guitaristes de blues. Il a simplement eu l’idée d’accoller les prénoms de ces deux musiciens pour former le nom du groupe, ni plus ni moins.

Le nombre de gens qui se trompent sur le nom de Pink Floyd est tout simplement incroyable!! Faites le test autour de vous, demandez ce que veut dire Pink Floyd… Vous allez être surpris!

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