Pourquoi ce la là ? Lalalalala, c’est très chantant…oui, certes, mais c’est aussi le la (440 Hz) que donne le fameux diapason utilisé aujourd’hui comme référence pour l’accord des tous les instruments. Et heureusement que tous les musiciens d’un même orchestre règlent leurs instruments sur la même fréquence, sinon ce serait très cacophonique.

Sachez toutefois, que le la 440 Hz n’a pas toujours été la norme d’accord et qu’aujourd’hui certains orchestres spécialisés dans la musique baroque utilisent encore le la 415Hz.

Jusqu’au XIXème siècle, les musiciens s’accordaient les uns par rapport aux autres ou en fonction du lieu dans lequel ils jouaient. Dans une chapelle, par exemple, il fallait se mettre en accord avec l’orgue qui n’était pas sur le même ton dans chaque église. Pour les interprètes, cela posait de nombreux problèmes d’adaptation et la pratique de la musique avec des instruments de facture différente était ardue. Pour les chanteurs lyriques, la chose n’était pas aisée non plus car il pouvait leur arriver d’avoir la mauvaise surprise de découvrir que leur morceau de bravoure devait être interprété avec un la plus haut qu’à l’accoutumée ! Quel coup dur pour la prima dona !

Des voix (et pas uniquement celles des sopranos coloratures mises en échec avec un la 560 Hz) se font donc entendre pour la mise en place d’un diapason unique qui servirait d’étalon. De grands compositeurs (Verdi, Berlioz, Meyerber, Rossini…), des luthiers réclament « accord » (et à cris) pour dire non à des pratiques qui ne font que « casser la voix » (n’est-ce pas Patrick ?).

En 1858, une commission s’appuyant sur un long travail de recherches décide d’adopter le la3 (435 Hz), mais ce n’est qu’en 1939 que le la 440 est élu référence internationale avant de devenir plus tard norme ISO et recommandation européenne.

Allez, écoutez le beau la là….lalalalallalalalla…vous serez au diapason avec nous car il dure 5 minutes!

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Les 6 premiers couplets ont été écrits par Rouget de Lisle en 1792 suite de la déclaration de guerre de la France à l’Autriche. On comprend donc pourquoi ces paroles invitent au sursaut de patriotisme, à la mobilisation, et à la lutte contre la tyrannie des envahisseurs étrangers.

Décrétée chant national le 26 messidor an III (14 juillet 1795), par la Convention, remplacée par le Chant du départ elle est abandonnée sous l’Empire en 1804 puis reprise à la Révolution des Trois Glorieuses. C’est à cette période que Berlioz compose une orchestration de l’hymne qu’il dédie à Rouget de Lisle.

Adoptée définitivement le 14 février 1879, sa version officielle sera écrite pour la célébration du Centenaire de la Révolution. Le nombre de couplets qui la composent est très variable car on trouve des versions allant de 6 à 20 couplets.

En tout cas le choix de cet hymne n’a pas été des plus faciles, comme vous le prouve cet extrait du film parodique « Liberté, Egalité, choucroute ».  Imaginez si nos soldats devaient défiler sur la mélodie choisie par Darry Cowl alias Rouget de Lisle (l’air du Brésilien de La Vie Parisienne !)

Depuis 1795, le sang dans ses sillons et dans ses notes a fait couler beaucoup d’encre et de critiques . Certains l’encense, d’autres la critiquent, mais sa mélodie a donné lieu à de nombreuses reprises et interprétations que l’on partage avec vous en ce 14 Juillet 2017 :

Marseillaise de variétés :

Michel Sardou

Jean Louis Murat pour le film The end, etc de Laetitia Masson en 2013

Gainsbourg version reggae

https://www.youtube.com/watch?v=fF9RE3Qf4GY

Introduction de « All you need is love » des Beatles

https://www.youtube.com/watch?v=sWEEaH3QZoI

Marseillaise décalée :

Version Punk

Version Brésilienne : Jean-Loup Longnon

Marseillaise pour musique savante :

Igor Stravinsky

https://www.youtube.com/watch?v=KNIwpeHNqNQ

Pierre Cochereau  à l’orgue de Notre-Dame:

Frantz Liszt pour piano

Marseillaise animée et aimée :

« Ma Marseillaise » de Charlélie Couture

Les Simpsons :

Marseillaise en voyage :

Hymne du Parti révolutionnaire du Pérou ( APRA)

Marseillaise hymne à la Paix :

Nouvelle Marseillaise  de Graeme Allwright :

Bonne fête nationale en chansons et joyeux feu d’artifice

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L’origine de la harpe viendrait de l’arc musical, un instrument dont la corde tendue ou relâchée vibrait en émettant un son et remonterait à 3 millénaires avant Jésus-Christ en Mésopotamie. Depuis sa naissance, la harpe a fait beaucoup de chemin et s’est invitée dans diverses civilisations et continents en prenant des formes différentes.  Le nombre de cordes varie lui aussi en fonction des civilisations. Aujourd’hui la harpe est un instrument universel enchanteur et célébré partout dans le monde quel que soit le milieu social, l’âge et le sexe !

Pour vous rendre compte de la variété de harpes existantes, voici une liste non exhaustive :

Il y a les harpes triangulaires parmi lesquelles nous classerons :

• La harpe diatonique, ou à pédales : c’est ce magnifique instrument que l‘on entend dans les orchestres symphoniques.
• La harpe éolienne
• La harpe chromatique
• La harpe celtique
• La harpe troubadour ou bardique
• La harpe double ou à double rang de cordes
• La harpe triple ou à triple rang de cordes
• La harpe mexicaine
• La harpe des Andes

Si vous voulez savoir quelle est la différence entre une harpe à pédales et une harpe celtique: suivez-nous là!

Les harpes angulaires : qui pour la plupart ont disparu

• La harpe chinoise ou konghou
• La harpe iranienne ou chang
• La harpe turque ou çeng
• La harpe géorgienne ou changi.

Les harpes arquées

De conception très rudimentaires et anciennes, on les appelle aussi des « harpes coudées ».

• La harpe birmane ou saung
• La harpe arquée des Khantys
• Les harpes africaines
• Et bien d’autres sortes dont les harpes fourchues, les harpes-luths ( qui ne servent pas à chanter « c’est la lutte finale »), la harpe-cithare, les harpes-guitares…

Nous ne pouvons clore cet article sans vous faire entendre un virtuose français de la harpe qui fut parmi les rares  musiciens français à intégrer le prestigieux orchestre Philharmonique de Berlin.

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Non : écoutons-le plutôt que de parler.

Une invention du tonnerre !

C’est Benjamin Franklin, le célèbre inventeur du paratonnerre (et inventeur  de sa propre épitaphe) qui a mis au point en 1761, cet harmonica un peu particulier.

Fonctionnement :

Pas la peine de souffler dans cet harmonica, il s’agit en fait d’un assemblage particulier de verres musicaux. Plusieurs bols en cristal, quartz ou verre sont réunis sur une tige horizontale mise en rotation par une pédale à l’origine, mais remplacée aujourd’hui par un moteur électrique. L’instrumentiste mouille ses doigts et frotte les anneaux de verre qui font alors entendre leur son cristallin.

Postérité et intrigue:

D’autres génies l’ont apprécié avant nous puisque le Grand Maître Mozart, a été l’un des premiers musiciens à composer expressément pour lui. C’est chez un grand ami de la famille, qui l’utilisait pour réaliser des séances de magnétisme que le compositeur le découvrit.  En 1791, il lui dédiera une œuvre de musique de chambre intitulée adagio et rondo KV 617 dans lequel l’armonica sera accompagné par 4 autres instruments (hautbois, alto, violoncelle et hautbois). Appelé aussi glass harmonica ou orgue de verre, l’instrument inspira d’autres grands noms de la musique tels que Richard Strauss, Camille Saint-Saëns, Gaetano Donizetti et Carl Philipp Emanuel Bach.

Mais notre cher instrument surnommé orgue angélique par Niccolo Paganini n’a pas tout d’un ange ! Il aurait été responsable d’accouchements prématurés, de crise de folie chez ses auditeurs et serait la cause de hurlements incontrôlés chez certains animaux. Ceci s’expliquerait scientifiquement par la présence de plomb dans le verre pouvant causer à long terme des cas de saturnisme ! Certaines villes d’Allemagne interdirent par décret sa pratique en 1835.

Disparition et renaissance :

Au XIXème siècle, l’harmonica de verre perd son éclat, et n’est presque plus fabriqué. Le XXème siècle, verra sa renaissance puisque le maître verrier Gerhard Finkenbeiner en relance la fabrication à aux Etats-Unis. De nos jours l’instrument est régulièrement utilisé dans les musiques de films et la variété ou les commandes lancées par des interprètes comme Thomas Bloch en France.

Alors , on ne se croirait pas au paradis?

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Si en plus, vous avez eu la chance de voir Pierre Boulez diriger un concerto pour euphonium, vous avez à coup sûr repéré qu’il dirigeait à mains nues. Alors que si vous êtes carrément un des veinards ayant vu de ses yeux Karajan, conduire l’orchestre philharmonique de Berlin et qu’en plus vous êtes perspicace, vous avez forcément remarqué qu’il tenait dans sa main (pas dans son bec comme le corbeau), une baguette presque magique.

Voir un chef d’orchestre diriger avec ou sans baguette vous semble normal, mais pourtant le métier de chef d’orchestre est assez récent.

Avant la baguette :

A l’époque baroque, les premières formations orchestrales étaient en fait conduites par l’un des continuistes, c’est à dire le musicien jouant du clavecin ou du pianoforte. L’impulsion pouvait aussi être donnée par le premier violon qui utilisait son archet en guise de baguette ou parfois même un rouleau de papier ( pas hygiénique!).  Jean-Baptiste Lully, musicien de Louis XIV dirigeait son Te deum pour la guérison du monarque et donnait le tempo en tapant par terre avec le long bâton utilisé à son époque pour la direction. Et il en mourut ! Lors d’une répétition, il se frappa le pied, ce qui causa un abcès qui jamais ne guérit et se transforma en gangrène !

Le premier coup de baguette :

On a du mal à savoir qui fut le premier chef à utiliser la  baguette telle qu’on la trouve aujourd’hui, car même si la musique adoucit les mœurs, plusieurs musiciens du début du XIXème siècle bataillaient pour revendiquer sa première utilisation. Laissons-les à leurs querelles, car les chefs  de l’époque romantique ont fort à faire avec les orchestres de plus en plus importants et fournis qu’ils doivent diriger. Gustav Malher a par exemple composé une « symphonie des 1000 » destinée à être jouée par de nombreux instrumentistes. Le dirigeant a maintenant non seulement besoin de sa baguette mais il va lui falloir aussi grimper sur une estrade pour mener tous ces musiciens.

De nos jours, il semblerait que l’utilisation ou non d‘une baguette dépende du ressenti du chef d’orchestre, de son rapport avec l’œuvre dirigée et de l’orchestre qui se trouve face à lui.

Il y a parfois des chefs qui ont des pratiques très étonnantes :

Valéry Gergiev avec un cure-dent

Louis de Funès avec beaucoup d’exigences et d’humour !

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Écoutez un peu cette interprétation virile du boudin !

Ecrite par M. Wilhem, chef de musique, cette marche aurait été composée juste avant le départ du régiment en 1863 pour le Mexique.

L’allusion aux Alsaciens, Lorrains et Suisses ferait référence à une décision du Ministère du 6 mars 1871 qui avait suspendu les engagements volontaires d’étrangers, spécifiant tout de même que les Alsaciens, Lorrains et Suisses pouvaient à titre dérogatoire obtenir l’autorisation de s’engager.

Et pourquoi les Belges sont-ils  taxés de « tireurs au cul » ? Il semblerait qu’en 1870, lors de la guerre franco-prussienne, le Roi des Belges aurait demandé à ses ressortissants  légionnaires de ne pas participer au conflit pour ne pas mettre à mal la neutralité de la Belgique. Obligés de sortir des rangs, leurs collègues auraient salué « leur désertion » en utilisant ces paroles railleuses.

Et savez-vous pourquoi la troupe de la légion étrangère clôt toujours les défilés ? C’est parce que la marche du Boudin est cadencée à 88 pas par minute, c’est un tempo beaucoup plus lent que celui des autres régiments.

Si ce boudin musical a réveillé vos papilles, rendez-vous sur notre site partenaire : Quellestladifférence pour découvrir la différence entre le boudin noir et le boudin blanc !

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Je vous présente

 Brian ENO & Robert FRIPP

Il est fort probable que la jeune génération de nos fidèles lecteurs n’arrive pas à situer ces deux artistes dans l’espace et le temps. Je ne vais pas vous faire une bio détaillée mais je peux d’ores et déjà vous dire qu’on a affaire à deux grandes figures de la musique (rock, mais pas que).

Si vous n’avez jamais entendu la musique de King Crimson, je suis presque sûr en revanche que ce nom ne vous est pas totalement inconnu. Fripp, guitariste britannique est le fondateur du groupe en 1969. Et si vous devez absolument vous faire une idée de la musique de la formation, je vous suggère le premier album, « In the Court of King Crimson« , monument du rock progressif balbutiant et dans un style un peu plus différent « Discipline ». Fripp collaborera aussi avec de nombreux autres artistes dont (parmi les plus connus) David Bowie, Peter Gabriel ou encore… Brian Eno.

Bien  qu’ayant déjà fait ses premières armes au sein de diverses formations, c’est surtout avec  Roxy Music que Brian Eno se révèle au public en 1971. Homme à tout faire dans ce groupe de glam-rock  (choriste, bidouilleur de synthé…), il n’y reste que deux grosse années avant de s’envoler pour une carrière dans l’expérimentation musicale et l’art en général. Producteur, il travaillera ensuite lui aussi avec Bowie, Toto, Devo, Ultra Vox et, plus proche de nous, U2, Coldplay… Et bien évidement Robert Fripp.

Une bien longue intro au regard des petites infos qui vont suivre (mais si au moins cela vous a permis de vous pencher sur ces artistes, rien n’est perdu !  🙂 ). Car ces deux génies ont un autre point en commun un peu plus particulier. En effet, tout deux furent un temps salariés de Bill Gates. C’est Fripp (pourtant toujours bien habillé) qui a composé le jingle d’ouverture (et tous les sons en fait) de Windows Vista. Sons conservés pour Windows 7.

Quant à Eno, il s’est lui occupé de créer le jingle de démarrage de Windows 95. Séquence sonore réalisée… sur un ordinateur Apple Macintosh !  😛

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Oui, je sais, vous l’attendez toutes et tous la preuve sonore. La voici. Ouvrez bien vos écoutilles à la 18ème seconde. Et à 3’12, la vidéo vous gratifiera même d’un clin d’œil. Bon week-end !  🙂

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Une vingtaine de prises furent réalisées en studio. Et toutes, à l’exception d’une seule, comportent de la batterie dès le début du morceau. Et pourtant, dans  la prise qui sera retenue (car jugée la meilleure) pour sortir sur le 45 tours (souvenez vous, une galette de vinyle…), la batterie fait son apparition alors que le morceau est commencé depuis déjà près d’une minute. Que s’est-il passé ? Et bien Ringo Starr (le batteur) s’en était tout simplement allé aux toilettes. Les autres avaient commencé sans lui, et à son retour des sanitaires, il s’installa derrière sa batterie et pris le fil de la chanson comme si de rien n’était.

Si on tend l’oreille, ce morceau est par ailleurs émaillé de quelques éructations, la plus audible étant un « fucking hell » dont la paternité est attribuée parfois à John Lennon, parfois à Ringo Starr.

Voilà, c’est tout pour aujourd’hui.

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